Часть 24. Особенности костюмов и масок театра Но. Заключение

История театрального костюма с Анной Пахомовой

Об авторе

Пахомова Анна Валериевна – профессор Московской художественно-промышленной академии им. С.Г.Строганова, кандидат культурологии, постоянная ведущая рубрики «Мода и мы» в журнале «Studio Д`Антураж», сотрудничает с журналами «Ателье» и «Индустрия моды», дизайн-эксперт Союза дизайнеров Москвы, член Международного художественного фонда, член Международной ассоциации писателей и публицистов.

Начало см. Часть №20

Эта часть завершает цикл статей, посвященных театральному костюму японского театра Но. В ней мы подробно рассмотрим костюмы периода Эдо, его детали и аксессуары, интересные подробности о масках Но (по книге Н.Г. Анариной «История японского театра») и в заключение будут некоторые данные об особенностях кукольного театра Бунраку и Дзёрури, а также символе мон.

Ко-Тобидэ. Мастер Ёкан. XVII в. (слева) / О-Тобидэ. Неизвестный мастер. Конец XVI в. (справа)

В предыдущей части мы довольно подробно рассказали о бутафории. Теперь пришло время рассмотреть костюм и маску главного героя, который производит, пожалуй, самое поражающее визуальное впечатление. Яркость и великолепие использованного для изготовления текстиля, богатство красок, делают его основным украшением спектакля. В современном театре Но существуют 94 основные канонические комбинации костюмов для всех персонажей, включая фарсёра аи. Костюмы составляют ценнейшее имущество актеров. Они передаются из поколения в поколение, а новые создаются в точном соответствии со старинными образцами. Во времена Канъами и Дзэами костюмы были довольно просты, но постепенно стали приближаться к одежде придворной знати, духовенства. К XV веку широко распространился обычай дарить актерам одежду во время представлений, поэтому среди самых старинных из сохранившихся костюмов XV века есть личная одежда сёгунов и аристократов. Например, в школе Кандзэ хранится подаренный сёгуном Ёсимаса элегантный жакет хаппи тёмно-зеленого цвета, расшитый бабочками. С течением времени были созданы театральные костюмы, не повторявшие придворную моду, но причудливо сочетавшие придворные обычаи в одежде, относившиеся к разным периодам. Этот процесс происходил в период Эдо. Именно тогда костюмы театра Но достигли невероятной степени изысканности и роскоши.

Дожи. Мастер Тохаку. XVII в. (слева) / Ёримаса. Неизвестный мастер. Конец XVI в. (справа)

Отличительной особенностью костюмов является их необычайная конструктивность. Отдельный элемент костюма может быть использован в самых разнообразных сочетаниях с другими, причем без их разделения на мужские и женские. Например, тёкэн – элегантную прозрачную шёлковую накидку с развевающимися широкими рукавами и с крупным цветочным узором, вытканным серебряными или золотыми нитями, надет на женщине во время танца. Она же, эта накидка, в ролях призраков погибших молодых влоинов становится боевым доспехом, когда надевается с юбкой-штанами окути из тончайшего шёлка, ниспадающими до пола. Мидзугоромо – накидка от дождя – является одеждой для путешествий и работы для мужчин и женщин всех возрастов. Когда рукава накидки подвязаны к плечу, значит, персонаж занят физической работой. Если женщина в мидзугоромо появляется на сцене с зеленой веткой бамбука в руках, перед вами безумная, блуждающая по дорогам в поисках родной души.

Энми-Кайя. Неизвестный мастер. Начало XV в. (слева) / Уба. Маска приписывается мастеру Хими. Начало XV в. (справа)

Можно заметить, что многообразие костюмов возникает и из всевозможных комбинаций элементов, и в результате разных манер ношения одной и той же одежды путем использования различных аксессуаров. Так, охотничье платье караори, сшитое из тонкого цветного шелка - ординарный женский наряд. Оно надевается поверх кимоно покроя кицукэ, спереди подоткнуто у талии, а сзади ниспадает до пола. Когда караори надевается поверх тяжелых окути (штанов-юбки), спереди подоткнуто за пояс, а сзади распускается шлейфом по полу – это костюм знатной особы. Если при этом голову украшает корона, то персонаж – принцесса. А когда в том же стиле надевается прозрачное кимоно тёкэн, перед зрителями – небесная фея.

Кагекиё. Неизвестный мастер. XVII в. (слева) / Шинкаку. Мастер Ямато. XVII в. (справа)

Обязательным элементом каждого костюма являются воротники эри, имеющие V-образную форму. Они пришиваются к вороту нижнего кимоно, могут быть однослойными и многослойными, разных цветов. Цвет воротника указывает на социальный статус персонажа. Белый – самый благородный; одинарный белый воротник носят боги и принцы. Следующий по степени благородства воротник аристократов окрашен в светло-голубой цвет. У монахов и старых женщин воротники коричневые, а синие используются в костюмах злобных духов воинов, гневных богов и демонов.

Ясэ-Отоко. Мастер Тосуи. XVIII в. (слева) / Кояши. Неизвестный мастер. Конец XVI в. (справа)

Костюм главного героя отличается подчеркнутой элегантностью, богатством и сложностью. Он изготавливается из драгоценных тканей, парчи, тяжёлого шёлка, украшен великолепной вышивкой с использованием золотых и серебряных нитей, объёмной аппликацией, изображающей травы, насекомых, цветы, банановые листья, потоки воды. Актер надевает два-три нижних тонких кимоно, а поверх – тяжёлое парчовое одеяние, особым образом драпирующееся на фигуре в зависимости от изображаемого персонажа. /С.281/

Завершат наше повествование о японском театральном традиционном костюме некоторые интересные данные о масках. Мы ранее уже достаточно много о них говорили, но вот еще несколько фактов.

Моны некоторых знаменитых актерских династий

Вплоть до XVII века маски вырезались монахами, актерами, скульпторами. Согласно легенде, первые маски были сработаны богами и собственноручно императором Дзёгу Тайси (VI в.), и этот период считается мифологическим. Затем называют десять мастеров X-XI веков, среди них Никко, Мироку, Тацуэмон и священник Хими, который, считается, запечатлевал в масках лица умерших, привозимых к нему для обряда отпевания. Следующий период (XVI в.) оставил имена шести выдающихся резчиков масок. Самыми знаменитыми из которых стали Дзоами и Санкобо. Начиная с XVII века появляются семьи, которые специализируются на изготовлении масок Но, передавшие традицию через поколения до наших дней. Самая старинная фамилия профессиональных резчиков – Этидзэн.

Моны Итикава Дандзюро V и Иваи Хансиро IV (слева) / Кацукава Сюнсё. Итикава Дандзюро V и Иваи Хансиро IV. Между 1772 и 1781 гг. Цветная ксилография (справа)

Маски театра Но как принадлежность театрального обихода – это маски-амплуа. Существует несколько вариантов их классификации. Наиболее распространенная следующая: 1) маски старцев; 2) маски мужчин; 3) маски женщин; 4) маски сверхъестественных существ – богов, духов, демонов; 5) маски, названные именами персонажей отдельных пьес.

Известно 86 базовых наименований масок театра Но (то есть масок Но и Кёгэн вместе) и существует множество их разновидностей. Некоторые ученые говорят в целом о 450 видах, обнаруженных к настоящему времени.

Моны Итикава Эбидзо (Дандзюро V) и Саката Хангоро III (слева) / Кацукава Сюнэй. Эбидзо (Дандзюро V) в роли Сибараку и Саката Хангоро III в роли Ига-Но Хэйнайдзаэмона. Ксилография, 1791 г. (справа)

В маске сконцентрировано внутреннее состояние персонажа, и она помогает актеру в создании сценического образа. Самая трудная задача – оживить застывшее лицо маски, придать ей необходимое по тексту выражение. Для этого актер прибегает к едва заметным либо резким изменениям ракурсов, вследствие чего меняется освещенность маски при постоянном освещении сцены. При опускании головы на маску ложатся тени, что придает ей печальное или задумчивое выражение. Когда актер высоко держит голову, маска освещена максимально, и это создает эффект радостного, счастливого лица.

Кацукава Сюнэй. Иваи Хансиро IV (фрагмент цветной ксилографии). 1781-1789 гг. (слева) / Мон Иваи Хансиро IV (справа)

Маска не воспринималась средневековым актером как художественный прием; она была не концептуальна, а натуральна. Исполнитель верил, что он по-настоящему превращается в играемый персонаж, как в древних ритуалах верили, что символ вызывает символизируемое. Театр Но – это театр превращения, а не перевоплощения; здесь действует принцип полного отождествления актера с героем. Исполнителю и сегодня запрещается подвергать роль интеллектуальному анализу; он должен играть «по наитию». Маска в театре Но является вещественным свидетельством превращения актера в того, кого он играет./С. 287/

Схема грима. Стиль камадори (слева) / Грим (фотография) (справа)

В Японии три основных традиционных театральных жанра, если можно так выразиться: рассмотренный нами театр масок Но, театр Кабуки, и театр кукол Бунраку. Несколько слов о двух последних. Каждый из них имеет свою древнюю историю, особенности, касающиеся исполнительского мастерства, костюмов, грима, цветовой символики.

Акахимэ. Гравюра

Например, первый выход актера – исполнителя главной роли (иногда и большой группы актеров) на сцену в театре Кабуки связан с демонстрацией костюма и грима. С этого, собственно, и начинается спектакль. Актер выходит на сцену из конца зрительного зала и идет на основную сцену мимо зрителей через зал. Такой проход по «цветочной тропе» - ханамити создает в зрительном зале определенный эмоциональный настрой. Движение актера -смена сложных поз называется миэ. В сложном костюме актер не может двигаться как в обычной одежде и его пластика выглядит необычно. Все детали костюма сильно увеличены: рукава кимоно при помощи бамбуковых каркасов превращены в своеобразные щиты, украшенные огромными гербами мон. Использование монов в Кабуки носит издавна активный характер. Раньше ничто, кроме них не могло так лаконично, убедительно и быстро представить зрителям актера. «Моны в театральном костюме периода Эдо (особенно для ролей амплуа арагото) отличались огромной величиной и часто становились главным орнаментальным мотивом не только одежды исполнителя, но и всего спектакля. Наличие большого мона придавало костюму контрастность и подчеркивало его плоскостность. <…> мон воспринимался одновременно как украшение и как четкий, мгновенно читаемый знак определённой исполнительской династии или актёра»^[1]. Вот небольшое описание Камакуры Кагэмаса—главного героя пьесы «Сибараку» (1905). Каждое движение, каждая поза подчеркивают монументальность его фигуры. Нагабакама - штаны особого покроя не только полностью закрывают ступни, но даже волочатся как шлейф. Для того, чтобы не запутаться и не упасть, актеру приходится передвигаться, широко расставляя ноги, и после каждого шага застывать в определённых позах. При этом он то разводит рукава-щиты в стороны, то закрывает ими лицо. Он производит впечатление гиганта, преклонившего колени для того, чтобы поближе рассмотреть то, что происходит на земле. Толстый слой грима – кумадори - покрывает лицо актера, он абсолютно скрывает его индивидуальные черты. Прическу украшают тикарагами - замысловатые бумажные ленты. Например, на кимоно особого коричнево-золотистого оттенка (цвет хурмы) четко выделяется белый рисунок герба мона (три квадрата, вставленные один в другой). Актер перепоясан толстым шнуром ниодасуки.

Сцена из спектакля

В японском театральном костюме декоративное начало ярко выражено, но не оно определяет специфику использования костюма и его роль в создании художественного образа. По костюму можно определить время года, костюм активно участвует в конструировании сценического действия, передает такие психологические состояния героя, которые недостижимы другими средствами в организации сценического пространства.

Афиша 1976 года (слева) / Афиша 1985 года (справа)

О куклах театра Дзёрури можно сказать, что они совершенны. Рост куклы составляет три четверти роста человека. У этих удивительных кукол двигаются рот, глаза и брови, ноги, руки и пальцы. Туловище кукол примитивно: это плечевая перекладина, к которой крепятся руки и подвешиваются ноги, если кукла — мужской персонаж. У женских персонажей ног нет, потому что они не видны из-под длинного кимоно. Сложная система шнурков дает возможность кукловоду управлять мимикой. Головы кукол создают искусные мастера. Как и в других видах классического японского театра, существуют исторически сложившиеся типы, для каждого из которых применяются определенные голова, парик, костюм. Как и у масок театра Но, многообразие голов кукол различают по возрасту, полу, характеру, социальной принадлежности. Каждая голова имеет свое название и происхождение, каждая применяется для определенных ролей.

Афиша «Нагасукудзира» (Кит-полосатик). Танцовщики, использующие «позу Нежинского». 1972 г.

Чтобы легче было координировать действия кукловодов и держать куклу примерно на уровне человеческого роста, главный кукловод омодзукаи работает в деревянных японских туфлях гэта на высоких подставках. Действия куклы должны точно совпадать с текстом, который читает гидаю. Четкая работа всех участников представления достигается годами упорной тренировки и считается одной из уникальных особенностей этого искусства. Сказитель гидаю исполняет роли всех героев и ведет повествование от автора (иногда в представлении принимают участие два или больше сказителей). Чтение гидаю должно быть максимально выразительным. Его задача - заставить кукол ожить. Знание мелодического рисунка текста, постановка голоса, строгая согласованность действий с другими участниками представления требуют многолетней упорной подготовки. Обычно на обучение уходит двадцать-тридцать лет. Как и в театре Но или Кабуки профессии гидаю и кукловодов в театре дзёрури являются наследственными. В традиционном театральном искусстве Японии, сценические имена вместе с секретами мастерства передаются от отца к сыну, от учителя к ученику.

«27 вечеров для четырёх времен года», 1972 г. Танец льва из «Тибасан» (справа)

Японцы бережно сохраняют древнее театральное искусство, которое является культурным наследием. Вместе с тем очень интересен современный театр, в котором есть много инновационного, будь то балет, перформанс, драматический театр и т.д. Влияние традиционного японского театра на современные направления зрелищной культуры очевидно. Прежде всего, это, конечно, костюм. На базе старинных традиционных костюмов создаются новые интересные модели, порой причудливые и фантастические, но в них угадываются силуэты, элементы и детали тех одежд, которые много веков назад поражали зрителей своей яркостью и неповторимой красотой.